Cellini チェッリーニイタリア語スクール

フレスコ画コース


ジョット「小鳥への説教」サン･フランチェスコ教会アッシジ	ミケランジェロ「アダムの創造」部分システィーナ礼拝堂ローマ
ANAMORFOSI L'Anamorfosi è la tecnica di dissimulazione di una figura o di un oggetto deformandolo. La forma reale originaria potrà essere riconosciuta soltanto osservando l’oggetto o la figura deformati secondo una particolare prospettiva o attraverso uno specchio deformante. L'Anamorfosi è una curiosa tecnica, in quanto consente all'artista di mascherare immagini agli spettatori meno accorti. Dopo la scoperta di questa tecnica, molti pittori utilizzarono il procedimento dell'Anamorfosi per mascherare segretamente nei propri quadri scene erotiche o irriverenti. L'Anamorfosi è molto apprezzata nell'arte rinascimentale. ANONIMI Vengono definiti "anonimi" quei pittori, in gran parte vissuti prima del sedicesimo secolo, di cui non si conosce il nome, ma che vengono tutt'ora riconosciuti grazie alle loro opere. Per identificare questi artisti in genere viene utilizzato il nome della loro opera più nota o il luogo dove questa si trova. Tra i più noti, Maestro del Preziosissimo Sangue, Maestro di Moulins, Maestro di Clusone oppure l'importantissimo Maestro di Flemalle. ARABESCO L'arabesco è una decorazione complessa che trae origine dall’arte islamica. La "decorazione" ad arabesco viene applicata a scritte arabe, in quanto la religione islamica non consentiva la rappresentazione di figure umane. ARALDICA L'Araldica è una disciplina di orgine antica, basata sullo studio di stemmi, emblemi, distintivi di famiglie, di comunità o di singole persone. Riconosciuta come disciplina appartenente al campo della grafica, l'araldica rappresenta una delle prime espressioni di sistemi comunicativi complessi, coordinati e codificati. L'orgine dell'araldica risale al periodo delle crociate: i capi militari, infatti, per distinguere i diversi raggruppamenti, adottarono un simbolo per ogniuno di questi. I simboli venivano quindi dipinti su stendardi, divise armi ed altri oggetti militari. La codificazione si è formata assai lentamente: forme, colori e disegni hanno assunto nel tempo significati talmente precisi da essere subito compresi. Nel tempo si sono diffusi simboli più diversi, adottati prima dalle famiglie e dai casati, poi dagli ordini religiosi, dalle corporazioni e da un gran numero di istituzioni e associazioni sia di carattere laico che religioso. Si è così creata una grande varietà di forme e di figure che ha reso necessaria la fissazione di una complessa serie di regole per consentire la comunicazione immediata del significato contenuto nel simbolo. ARTE CONCETTUALE L'arte concettuale è uno dei maggiori movimenti artistici del novecento che trova in Christo uno dei suoi massimi esponenti. I "concetti" possono essere comunicati attraverso diversi mezzi espressivi, come testi, mappe, diagrammi, film, video, fotografie o happening, esposti in gallerie o realizzati per luoghi specifici. All'interno del database di artisti di Babele Arte potrete trovare molti giovani esponenti di questa corrente artistica. Nell'arte concettuale l'elemento più importante è l'idea che sta dietro l'opera piuttosto che l'abilità tecnica della sua esecuzione. L'arte concettuale divenne un fenomeno internazionale negli anni Sessanta, dando origine a una produzione molto diversificata. I "concetti" possono essere comunicati attraverso diversi mezzi espressivi, come testi, mappe, diagrammi, film, video, fotografie o happening, esposti in gallerie o realizzati per luoghi specifici. In alcuni casi il paesaggio stesso diviene parte integrante dell'opera d'arte, come nel caso della Land Art, o arte ecologica, di Richard Long e delle monumentali sculture di Christo. Le idee espresse attraverso il lavoro concettuale sono state tratte da filosofia, femminismo, psicanalisi, film o attività politiche. La nozione di artista concettuale come creatore di idee piuttosto che di oggetti mina i tradizionali ruoli dell'artista e dell'opera d'arte. ARTE CUBISTA Cubismo: una delle principali correnti artistiche del '900, nata dalla differente interpretazione del punto di vista. Il cubismo non ha data di nascita ne di decesso, è semplicemente l'evolversi del pensiero artistico che ha fatto scarurire negli artisti la necessità di guardare "oltre". Dal creatore Pablo Picasso all'interpretazione attuale del cubismo: un viaggio tra le opere rappresentative del movimento cubista. Nel museo virtuale, la possibilità di effettuare ricerche di opere ad impronta cubista e ricerche di artisti che al meglio esprimono la corrente. Rivoluzionario metodo pittorico creato da Pablo Picasso e George Braque nella prima decade del ventesimo secolo. Sebbene possa sembrare astratta e geometrica, l'arte cubista in realtà rappresenta oggetti reali svolti sulla tela in modo da mostrare simultaneamente i diversi lati di una forma osservati da più punti di vista. Invece di creare l'illusione di un oggetto nello spazio, obiettivo di tutti i pittori dal Rinascimento in poi, il cubismo sviluppa gli oggetti nei termini bidimensionali della tela. Questa novità diede origine a uno straordinario riassestamento dei rapporti tra forma e spazio che cambiò per sempre il corso dell'arte occidentale. ARTE DADAISTA Il nome "dada", usato senza significato preciso, fu dato a un movimento "anti-artistico" internazionale attivo dal 1915 al 1922. Il centro principale di attività fu il Cabaret Voltaire di Zurigo, dove poeti, pittori, scrittori e musicisti con interessi simili si radunavano per partecipare ad attività sperimentali quali poesia astratta, rumore-musica, pittura automatica. Il dada rappresentò una violenta reazione all'altezzoso tradizionalismo dell'arte costituita: i suoi membri erano pronti a usare ogni mezzo nei limiti della loro immaginazione per stupire la borghesia. Tipico prodotto dada è il ready-made, un prodotto ordinario tolto dall'oggetto originario e messo in mostra come opera d'arte. Il movimento dada, con il suo culto per l'irrazionalità, preparò il terreno per l'avvento del surrealismo negli anni Venti. ARTE DECORATIVA L'arte decorativa è un movimento sviluppatosi tra gli anni 20 e gli anni 30 del novecento. La sua presenza tocca ogni forma artistica: l'arte decorativa infatti non si riconosce solo nell'arte intesa come pittura e scultura, ma influenza diversi settori, quali l'architettura, la decorazione di interni, la moda e la pubblicità. Lo stile raffinato dell'arte decorativa si caratterizza per la presenza di linee sobrie e geometriche, utilizzate senza nessun eccesso. Nonostante le raffinatezza delle forme, i colori utilizzati sono vivaci ed i materiali ispirati da concetti moderni (vengono spesso utilizzati plastica ed acciaio cromato). Derivata dal liberty, l'arte decorativa è influenzata dal cubismo e dall'arte africana. ARTE GOTICA Il gotico è lo stile che predomina per tutto il medioevo, stile architettonico tipico dei molte tra le principali cattedrali europee. L'arte gotica non riguarda solo l'architettura: anche pittura e scultura subiscono le impronte di questo movimento e si caratterizano per le tipiche figure allungate e riccamente decorate e in pittura non esiste il concetto di rappresentazione tridimensionale. Alla fine del quattordicesimo secolo lo stile varia verso un'impronta più elegante e raffinata, con la nascita dell'interesse per i soggetti naturalistici. Piante ed animali rappresentati dettagliatamente sono i principali soggetti del tardo gotico, il movimento che si diffonde su scala internazionale e prende appunto il nome "gotico internazionale". ARTE INFORMALE Il termine informale fu coniato in Francia negli anni Cinquanta per indicare la tendenza verso un nuovo modo di creare immagini senza il ricorso alle forme riconoscibili precedentemente usate (v. "Cubismo" ed "Espressionismo"). L'obiettivo era l'abbandono di forme geometriche e figurative per scoprire un nuovo linguaggio artistico. L'arte informale ha sviluppato segni e metodi all'insegna dell'improvvisazione. Gli artisti riconducibili a questa tendenza hanno dato origine a opere estremamente diversificate, ma spesso caratterizzate da libere pennellate e densi strati di colore. Come il contemporaneo espressionismo astratto negli Stati Uniti, l'arte informale è una categoria molto ampia che include pittori sia figurativi sia non figurativi. Con epicentro a Parigi, interessò anche altr ARTE NAIF L'arte NAIF identifica i dipinti e le sculture realizzati da artisti autodidatti, spesso dilettanti. Queste opere non fanno riferimento a teorie artistiche o correnti del periodo, ma si affidano semplicemente alla creatività dell'artista che le realizza. Le rappresentazioni del mondo hanno un carattere ingenuo e quasi infantile. Uno dei più celebri pittori naïf è Rousseau il Doganiere (molto apprezzato da Picasso), le cui opere sono oggi presenti nei più importanti musei e nelle collezioni. ARTE NON-OGGETTIVA L'arte non-oggettiva è una corrente artistica che tende a rappresentare la realtà attraverso la visione dell'artista. La realtà infatti non viene dipinta come essa si presenta, ma secondo l'interpretazione personale dell'autore. Nell'arte non-ogettiva non esistono schemi, l'artista rielavora liberamente la realtà. In pittura i primi quadri non-oggettivi furono eseguiti dal gruppo dei Blaue Reiter, verso il 1910. Dagli inizi del 1900 la pittura non-oggettiva conobbe grandissima fortuna in tutto il mondo; fu adottata principalmente dai suprematisti, dai puristi e soprattutto dai surrealisti. ARTE POPOLARE Vengono definite opere di arte popolare tutte le realizzazioni fatte da artisti non professionisti. Il concetto di arte popolare può assumere due significati diversi: - 1 - Arte popolare intesa come arte realizzata dal popolo, dalla gente comune. Indica infatti non solo le rappresentazioni pittoriche, ma tutte le opere artigianali e le tradizioni; - 2 - Arte popolare intesa come "arte conosciuta dal popolo". ARTE SPAZIALE L'Arte Spaziale è un movimento artistico nato in Argentina nel 1946 ad opera di Lucio Fontana. L'origine di questo movimento coincide con la pubblicazione del "Manifesto Blanco", ad opera di Lucio Fontana. La nascita effettiva del movimento avverrà qualche anno più tardi a Milano, dove nel frattempo Fontana si era trasferito. Concetti dell'Arte SpazialeGli spazialisti rifiutano i principi estetici del realismo: essi infatti propongono una visione cosmica della realtà e rappresentano un'arte astratta che si propone di usare gli spazi come materia plastica. ARTE UFFICIALE La definizione di arte ufficiale nasce da Napoleone III. L'imperatore commissionò ad alcuni artisti accademici la realizzazione di opere pittoriche che vennero in seguito riconosciute come opere di arte ufficiale. Lo stile di questi artisti accademici appartenenti al secondo Impero ed alla terza Repubblica traccia le basi dell'impressionismo, che viene a sostituirsi all'arte ufficiale. La tecnica utilizzata per la realizzazione di queste opere è ineccepibile ed a soggetti codificati. ARTI GRAFICHE "Arti grafiche" è il termine utilizzato per identificare tutte le attività artistiche affini alla stampa. Elenco delle principali arti grafiche: - composizione del testo; - riproduzione di illustrazioni ed immagini; - stampa; - confezione della stampa. ARTISTA ED ARTIGIANO Nel perido storico che precede il diciassettesimo secolo non esisteva alcune reale distinzione fra "artista" e "artigiano". Veniva definito "artista" la persona in possesso di doti artistiche, che le applicava nel settore più idoneo (pittura, scultura, artigianato...). Nel diciannovesimo secolo vengono distinti i concetti di artista ed artigiano: "L'artista è colui che, nell'operare, si inscrive in una prospettiva estetica di ricerca del bello." L’artista crea un’opera che appartiene al dominio delle belle arti, della letteratura, del cinema o della musica, mentre l'artigiano diviene semplicemente l'"operaio manufatturiero". ARTS AND CRAFTS Movimento fondato in Inghilterra nel XIX secolo da William Morris. Lo scopo principale dell'ideatore di questa corrente è promuovere un avvicinamento tra l'arte e l'industria, per realizzare prodotti industriali di elevata qualità artistica voalorizzando l'esperienza artigianale. Attraverso le esposizioni identicamente denominate e iniziate nel 1888, il movimento che trova ispirazione nel modo di operare proprio della produzione del periodo medievale e rinascimentale, ha dato un contributo determinante allo sviluppo delle arti minori e di quelle decorative in genere.Art and Crafts significa appunto "arti e mestieri". ASSONOMETRIA L'assonometria è la rappresentazione bidimensionale di un oggetto, in cui il punto di vista, contrariamente a quanto avviene nella prospettiva, viene convenzionalmente posto all'infinito. I raggi proiettanti sono pertanto tra loro paralleli e, conseguentemente, spigoli paralleli dell'oggetto restano paralleli anche nella sua rappresentazione assonometrica. ASTRATTISMO Nelle arti figurative il concetto di astratto assume il significato di «non reale». L’arte astratta è quella che non rappresenta la realtà. L’arte astratta crea immagini che non appartengono alla nostra esperienza visiva. Essa, cioè, cerca di esprimere i propri contenuti nella libera composizione di linee, forme, colori, senza imitare la realtà concreta in cui noi viviamo. L’astratto, in tal senso, nasce agli inizi di questo secolo. Ma esso era già presente in molta produzione estetica precedente, anche molto antica. L’arte astratta di questo secolo un fine strettamente legato alla comunicazione: essa vuole esprimere contenuti e significati, senza prendere in prestito nulla dalle immagini già esistenti intorno a noi. ASTRAZIONE GEOMETRICA L'astrazione geometrica è una corrente di arte d'avanguardia tendenzialmente ispirata al purismo ed al gruppo di De Stijl. L'astrazione geometrica diventa presto un gruppo, al quale aderiscono artisti come Mondrian e Ben Nicholson. AUTOGRAFIA L'Autografia è un procedimento litografico che permette di riportare un grafismo (composto da testo o immagini) tracciato su una carta autografa (un particolare tipo di carta utilizzato solamente per questa tecnica), decalcando su un supporto di pietra litografica o su lastra metallica di alluminio o di zinco. AUTOMATISMO L'automatismo è una tecnica utilizzata principalmente dai surrealisti. L'utilizzo di questa disciplina consente di lasciare la propria mente libera di viaggiare in piena libertà e trarre l'ispirazione per la realizzazione di un'opera d'arte. Generalmente il termine viene utilizzato per la scrittura automatica ma il medesimo procedimento viene applicato anche in pittura. AVANGUARDIE Avanguardia, avanguardismo stanno a significare un atteggiamento di rinnovamento, sia nel campo delle belle arti che in altri settori, secondo il quale si prospettano idee e soluzioni in anticipo su tutto ciò che é correntemente e generalmente accettato. Si può affermare che l'avanguardia "anticipa" la tendenza del periodo successivo, non si propone come il movimento attuale, ma quello futuro! Questo termine comprende i diversi gruppi e movimenti artistici che fiorirono tra le due guerre. Si possono citare, per esempio, il Bauhaus, il futurismo, il purismo, l'astrazione geometrica, l'espressionismo ecc. L'avanguardia è una corrente che non cesserà mai di essere attuale, in quanto essa è semplicemente il futuro... BAROCCO Il Barocco è una corrente di arte ed architettura europea che si sviluppa a partire dalla fine del cinquecento per dominare in tutto il secolo successivo. La critica lo definisce un'arte che non rispetta gli ideali classici, ma li rifiuta per dedicarsi al capriccio individuale. Anticlassico nello spirito e nella forma, il barocco pittorico è caratterizzato da composizioni drammatiche e teatrali che di sovente si estrinsecano in violenti giochi di luce. Per quel che riguarda le arti figurative, il termine compare per la prima volta nell'opera dello scrittore d'arte Francesco Milizia (1725-1798). Il barocco è lo stile della Controriforma e nasce nei paesi cattolici; ebbe comunque grandi interpreti anche nei paesi protestanti, ad esempio in Olanda, con Rembrandt e Vermeer. I pittori che forse meglio rappresentano il concetto di barocco sono Rubens e Caravaggio. BESTIARIO Il "Bestiario" rappresenta le origini dell'arte animalista. Con il termine bestiario si intende letteralmente "ciò che concerne le bestie"; le bestie infatti divennero i soggetti principali per la realizzazione di opere pittoriche, sculture, arazzi e miniature. Le origini di questa arte risalgono al Medioevo e si affidano sia alla tradizione pagana che a quella biblica. Gli animali oggetto di queste rappresentazioni sono sia reali, come volpi, leoni e lupi, che mitici e leggendari, come draghi, grifoni e chimere. BIANCA La bianca o recto è il lato di un foglio di carta che viene stampato per primo. Il termine fare riferimento anche alla forma usata per stampare il primo lato del foglio. Il lato opposto viene chiamato volta o verso.

フレスコ画はテンペラや、油絵などとは違う絵画技法のひとつです。フレスコ画は壁に石灰でモルタルを塗って、それが乾く前に天然の素材で出来た岩絵具で描きます。
フレスコ画はとても古い技法です。私たちの祖先の時代から既に洞窟の中の湿っている壁に天然の絵具で動物などの絵を描いていました。
古代ギリシャでは「フレスコ」と言う言葉は"湿っている"、"新鮮な"という意味で、英語「fresh」に当たる言葉です。
フレスコ画技法では、絵具は石灰モルタルに浸透して、化学反応を起こして熱を発し、色は強く鮮やかになります。
フレスコ画は半永久的に残る絵画です。色は石灰モルタルと一体となって、石灰モルタルがある限り色も残っています。

グループコース　入学金　授業料

　 入学金

円０　

　グループコースA・10時間コース

円　25,000　

◆2名で開講
◆1レッスン：2.5時間×4回(計10時間)
◆月2回で全4回のレッスンとなります。
※材料費はレッスン料に含みます。道具はお貸しします。

　グループコースB・10時間コース

円　18,000

◆3名で開講
◆1レッスン：2.5時間×4回(計10時間)
◆月2回で全4回のレッスンとなります。
※材料費はレッスン料に含みます。道具はお貸しします。

　グループコースC・20時間コース

円　45,000

◆2名で開講
◆1レッスン：2.5時間×8回(計20時間)
◆月2回で全8回のレッスンになりますが、月4回でも可能です。
※材料費はレッスン料に含みます。道具はお貸しします。

　グループコースD・20時間コース

円　34,000

◆3名で開講
◆1レッスン：2.5時間×8回(計20時間)
◆月2回で全8回のレッスンになりますが、月4回でも可能です。
※材料費はレッスン料に含みます。道具はお貸しします。

　グループコースD・20時間コース

円　40,000

◆1名で開講
◆1レッスン：90分×5回(計7.5時間)
◆日程はご相談ください。週1回も可能です。
※材料費はレッスン料に含みます。道具はお貸しします。

CARICATURA La caricatura è un disegno nel quale i tratti fisionomici della figura umana rappresentata sono particolarmente accentuati.
Le caricature generalmente sono ritratti interpretati dall'artista in modo da accentuare al massimo i lineamenti e la struttura della persona ritratta. 
Le caricature più comuni sono disegni realizzati a matita o carboncino ed in genere l'attenzione è concentrata sul volto del soggetto, mentre il corpo viene rappresentato in proporzioni assurde rispetto al volto.

CHIARISMO Il chiarismo è un termine coniato da Leonardo Borgese nel 1935 e successivamente codificata nel 1936 da Guido Piovene per rappresentare la pittura di un gruppo di artisti operanti a Milano negli ultimi anni venti.
Il movimento nasce con l'intento di creare nuove linee architettoniche e pittoriche in opposizione al neoclassicismo del novecento, ad opera di Edoardo Persico (architetto e critico delle idee anticonservatrici) e Giulia Veronesi.
I pittori chiaristi mirano tendenzialmente alla riconquista di una scioletezza di tratto di ispirazione post-impressionista e cromie libere dalle terre della tavolozza sironiana. Eliminato il chiaroscuro accademico, veniva recuperata, con il lavoro all´aperto, una tipica trasparenza e leggerezza della tavolozza, in un anelito di riscoperta dei valori luministici propri all´arte dei primitivi lombardi.
Il Chiarismo ritrovava e rinnovava la pittura di paesaggio e di fiori; rendeva il ritratto immediato sottraendolo a forzature simboliche; proponeva spontaneità in composizioni soltanto apparentemente schematiche ma invero aggiornate sulla lezione delle avanguardie.
Ai loro esordi i Chiaristi esposero alla galleria Bardi, quindi alla Galleria del Milione di Virginio Ghiringhelli, subentrata negli spazi di Bardi e all´Annunciata lungo gli anni ´40.

COLLAGE Collage è un termine francese: indica una tecnica utilizzata per la realizzazione di opere d'arte composte da materiali diversi incollati sul supporto.
La tecnica del collage viene adottata gli inizi del novecento per la realizzazione di opere d'avanguardia, principalmente dagli esponentidel cubismo ed in particolare Braque e Picasso. 
Il collage viene utilizzato anche dai futuristi italiani e da altri artisti lungo il corso del ventesimo secolo.
Per la realizzazione di un collage vengono incollati non solo pezzi di carta, ma altri materiali tra i più vari.

COMPOSIZIONE La composizione è la costruzione formale di un dipinto. Rappresenta quindi la sua struttura di colori, linee e volumi.
Possiamo affermare che la composizione è lo schema geometrico dell'opera: a seconda di questo schema si parla di composizioni a spirale, composizioni a cerchio e composizioni a piramide.
I giochi di colore e la distribuzione dei volumi creano il peso visivo dell'opera.

CORRENTE Corrente è un movimento artistico che si sviluppa a Milano tra il 1938 e il 1943. Corrente raggruppa artisti provenienti da diversi orizzonti culturali, con il comune intento di aprirsi alla cultura moderna europea, rifiutando l'isolamento culturale imposto dalla politica fascista. Corrente nasce infatti da una presa di posizione alternativa nei confronti del dogmatismo formale del Novecento, creando una nuova forma di libertà espressiva ispirata alle linee del post-impressionismo creato da Ensor e Van Gogh, agli espressionisti tedeschi e ai Fauves.
Gli artisti di Corrente sentono la necessita di rompere la retorica ufficiale senza cadere nel generico e nel gratuito: si sviluppa così un'arte impegnata, che riconosce l'artista come tale e lo inserisce nel contesto sociale e politico.
Corrente si ramifica in due tendenze:
- Corrente realistica, marcata dall'esigenza di un impegno politico e sociale;
- Corrente Astratta e Poetica;
Tendenzialmente composta da pittori, Corrente ospita successivamente anche scultori, critici, poeti e cineastri.
Il movimento dapprima nasce come Corrente, poi diviene Corrente di vita giovanile ed infine Corrente e porta parola del movimento fino al 1946.

CRAQUELURE Termine che indica la rete di fenditure, spaccature che si può trovare sulla superficie pittorica.
Essa è dovuta al naturale processo di invecchiamento e del colore e del supporto.L'accentuazione della craquelure non è determinata solamente dall'età del dipinto ma principalmente dalla composizione dei colori e dal materiale di supporto; vi sono difatti dipinti, come ad esempio quelli eseguiti da Beato Angelico nel XV secolo, che presentano una craquelure quasi invisibile.

CUBISMO Il cubismo è una corrente artistica rivoluzionaria nata dall'analisi alternativa della realtà ad opera di Pablo Picasso e George Braque. Il movimento nasce nella prima decade del ventesimo secolo e si caratterizza per la rappresentazione di oggetti reali interpretata da diversi punti di vista. 
Sebbene possa sembrare associata all'arte astratta e geometrica, l'arte cubista rappresenta simultaneamente i diversi lati di una forma osservati da più punti di vista. Il punto di forza degli artisti che si rispecchiano in questa corrente sta nell'abilità di creare su di una superficie bidimensionale come la tela l'illusione di un oggetto nello spazio, obiettivo principale dei pittori post-rinascimentali. Forma e spazio prendono così nuovi assestamenti, creando rapporti visivi che cambieranno in modo radicale l'impronta artistica occidentale

DADAISMO Il nome "dada", usato senza significato preciso, fu dato a un movimento "anti-artistico" internazionale attivo dal 1915 al 1922. Il centro principale di attività fu il Cabaret Voltaire di Zurigo, dove poeti, pittori, scrittori e musicisti con interessi simili si radunavano per partecipare ad attività sperimentali quali poesia astratta, rumore-musica, pittura automatica. Il dada rappresentò una violenta reazione all'altezzoso tradizionalismo dell'arte costituita: i suoi membri erano pronti a usare ogni mezzo nei limiti della loro immaginazione per stupire la borghesia. Tipico prodotto dada è il ready-made, un prodotto ordinario tolto dall'oggetto originario e messo in mostra come opera d'arte. Il movimento dada, con il suo culto per l'irrazionalità, preparò il terreno per l'avvento del surrealismo negli anni Venti.

DECADENTISMO Il Decadentismo ebbe origine in Francia e si sviluppò in Europa tra gli anni Ottanta dell’Ottocento e il primo decennio del Novecento. 
Trova un corrispettivo nella corrente artistico-architettonica che prese nomi diversi a seconda del paese in cui fiorì: Liberty in Italia, Art Nouveau in Francia, Jugendstil in Germania. 
Il Decadentismo rappresenta una reazione decisa agli aspetti ideologici, morali e letterari del Positivismo. Fu l’esasperazione di una delle due tendenze del Romanticismo, quella rivolta alla contemplazione di un mondo di mistero e di sogno, all’espressione di un soggettivismo estremo, mentre il realismo e il verismo ne avevano sviluppato la tendenza oggettiva. Decadentismo è il termine utilizzato in pittura per indicare la scuola dei simbolisti e di tutti gli altri artisti che rappresentavano soggetti artificiosi e strani. 
Il periodo che segna la massima espressione del decadentismo è il ventennio a cavallo tra la fine del diciannovesimo secolo e gli inizi del ventesimo.
Il decadentismo è fortemente legato alle correnti letterali e culturali di estetismo e simbolismo.
Fra i più famosi, Ensor e Munch.

DIPINTO Contrariamente ai luoghi comuni che associano il termine "dipinto" a "disegno, opera", il DIPINTO è una composizione pittorica costiutita da due tavole: 
le tavole, precedentemente dipinte, vengono legate tra loro ("incernierate") in modo da potersi aprire e chiudere come un libro.

DIVISIONISMO Il divisionismo è un movimento artistico italiano di fine 800. Le linee guida del movimento derivano dal Pointillisme (puntinismo) francese di Seurat e Signac che si basa sulla scomposizione del colore nei suoi elementi di base, rifacendosi alle ricerche ottiche sulla luce ed il colore di Chevreul. 
Il divisionismo nasce quindi dalla rielaborazione di questi concetti teorici fino a raggiungere la seguente definizione: 
"IL DIVISIONISMO RIPRODUCE LE ADDIZIONI DI LUCE MEDIANTE UNA SEPEARAZIONE METODICAMENTE MINUTA DELLE TINTE COMPLEMENTARI"
Il trampolino di lancio per il divisionismo fu la Prima Triennale di Milano del 1891, dove il critico e artista Vittore Grubicy de Dragon ne fu il principale esponente. Altri interpreti di questo movimento sono Previati (che scrisse un libro per spiegare questa tecnica, dal quale viene tratta la definizione del movimento), Segantini, Morbelli, Pellizza da Volpedo e Nomellini. 
Il divisionismo trova applicazione in soggetti naturalistici e simbolisti e viene applicato anche per temi sociali.
Il movimento rimane attivo fino alla metà del 900, influenzando notevolmente lo sviluppo della successiva corrente artistica (il Futurismo), la quale utilizza il concetto di scomposizione del colore per rappresentare al meglio la simultanea realtà.

ESPRESSIONISMO L'espressionismo è una corrente artistica di orgini tedesche risalente agli inizi del 900. L'espressionismo nasce dalla necessità di numerosi artisti di esprimere attraverso la pittura i sentimenti più intimi, passionali. 
La pittura espressionista si caratterizza per l'utilizzo di colori forti, intensi, violenti e irreali, stesi con pennellate aggressive e ricche di vitalità, utilizzando la tela come specchio per rappresentare le proprie emozioni. 
Il principale esponente della pittura espressionista è Vincent Van Goht, maestro per molti artisti di questa corrente che da lui traggono le principali tecniche di utilizzo del colore dalla sua frenetica pittura. 
Tra gli altri grandi maestri del 900, troviamo Munch nel suo celebre "l'urlo", significativa opera di impronta espresionista. 
La corrente espressinista sconvolge notevolmente la visione dell'arte, in quanto è preceduta da movimenti che associano all'arte il concetto di chiarezza e semplicità. Una ventata di colore che stravolge i canoni artistici di inizio 900.

ESPRESSIONISMO ASTRATTO L'espressionismo astratto è una forma alternativa dell'espressionismo tradizionale. Il movimento nasce a New York negli anni quaranta e si sviluppa principalmente tra i pittori gestuali. 
Le opere di espressionismo astratto sono facilmente riconoscibili: in gran parte gli espressionisti astratti dipingevano su grandi tele con forte energia e rapidità, utilizzando grossi pennelli o direttamente gettando il colore puro sulla tela. 
Esistono diverse interpretazioni di questa corrente, in quanto molti artisti considerano l'espressionismo in forma astratta come una rappresentazione violenta, mentre altri si approcciano a questa tecnica in modo più sereno, ovvero interpretando con la pittura espressionista le immagini astratte. Da sottolineare il fatto che non tutte le opere di questa corrente sono astratte o espressioniste, ma si rispecchiano nella corrente per la spontaneità del rapporto dell'artista con l'opera e il ruolo privilegiato dell'inconscio nel processo creativo.

FAUVISME Simpatica l'origine di questa corrente: nasce dalla definizione di un critico che, rivolgendosi agli autori che esponevano le proprie opere ad una mostra parigina del 1905, li definì come "belve", in francese appunto FAUVES.
Prendendo il nome da questi artisti, nasce così una corrente dedicata alla pittura fiammeggiante e contrastante, colori dipinti con forte entusiasmo e carichi di passione. La natura selvaggia che caratterizza la corrente si manifesta attraverso pennellate dinamiche e colori forti che rendono espressive le opere in un contesto fantastico, gioioso nel colore e nell'emozione che esso lascia trasparire.

FUTURISMO Il concetto di arte futurista nasce a Milano nel 1909. Gli artisti del periodo guardano con aria affascinata i cambiamenti tecnologici applicati a macchinari di produzione industriale, ai trasporti ed alle telecomunicazioni. Nasce così in loro il bisogno di spazzare i remoti bagagli culturali ed artistici per dare maggiore rilievo alla modernità.
Il futurismo esprime concetti di dinamicità, interpretati abilmente attraverso l'uso di forme spigolose e linee incisive. Le opere futuriste sono facilmente identificabili: la necessità di rappresentare il dinamismo e il continuo movimento spingono gli artisti a realizzare immagini ripetute dello stesso oggetto o figure disposte in sequenza, con l'intento di creare l'effetto di un rapido movimento.

GOTICO INTERNAZIONALE Derivante dalla pittura gotica Italia, il Gotico Internazionale è una corrente artistica che si diffonde in tutt'Europa verso la fine sedicesimo secolo.
Rispetto al gotico nazionale, questa nuova corrente sottolinea il gusto per la descrizione minuziosa dei particolari ed impiega colori molto più vivaci, trattati con tecniche simili allo smalto.
Fra i principali esponenti trovano vasta esposizione Gentile da Fabriano, il Maestro Francke e i fratelli Vergos.

ICONOGRAFIA L'iconografia è l'arte di rappresentare qualcosa attraverso l'utilizzo di immagini.
Il termine iconografia viene anche utilizzato per indicare elementi formali che definiscono una determinata immagine che si ripete nel corso del tempo.Un esempio chiaro di questa definizione è la rappresentazione di Cristo raffigurato nel corso dei secoli sulla croce, con la corona di spine e le stigmate.

IMMAGINISMO L'immaginismo è l’eterno tentativo di sintesi creativa, di proposta innovativa, d’un entusiastico slancio ragionato... 
Per capire meglio il movimento ci affidiamo alle rivelazioni e dichiarazioni dei fondatori in merito:
- “Noi inietteremo le nostre idee a tutto il mondo”.
- “...La vita vista attraverso la lente biconvessa dell’immaginismo, unica garantita per l’eternità, si può riassumere nelle formule: 2=1; 1=2; 1+1=1”.
- “Attenzione!!! Attenzione!! Ogni immaginista è un pericolo latente; noi non usiamo valvole, il cortocircuito immaginista brucia le valvole dell’umanità provocando i più disperati incendi”
- “L’IMMAGINISMO prezzemolo dei mondi artistici...”
- “GLI IMMAGINISTI ESCONO DI SOPRA. I FESSI NON C’ENTRANO NEPPURE (...). GLI IMMAGINISTI AMANO L’ANANAS. I FESSI PIANGONO SULLA DISTRUZIONE DI MONTMARTRE”. 
- “I veri immaginisti adoperano l’Idealism-Chewing-Gum”.
- “Dino Terra non può negare che l’erotismo gli metta suggestione”.
- “Umberto Barbaro è colloidale, leggermente alcalino, aderente, ed ama i volteggi difficili”.
- “Vinicio Paladini, novello Aeropagita idilliaco, ha per cuore una mongolfiera translucida”.
Tutte queste affermazioni si riferiscono al primo grido dell’Immaginismo, questa la sua prima allegra pattuglia che lanciava il suo manifesto-coriandolo nel mondo. Tutto ciò accadeva in Italia, nel millenovecentoventisette.

IMPRESSIONISMO L'impressionismo è una corrente artistica sviluppatasi nella seconda metà del 1800 in Francia. Gli autori di questo movimento vedono il bisogno di interpretare la natura osservandola sotto la sua luce naturale, in tutte le sfumature che essa assume dall'alba al tramonto.I pittori impressionisti praticano la pittura "en plaine air", dipingendo le proprie opere direttamente sul luogo di osservazione (all'aperto). Il rapporto luce-colore viene interpretato sulle tele attraverso l'utilizzo del colore puro applicato con libere pennellate. Gli impressionisti non dipingono soggetti storici o romantici ma si dedicano interamente alla paesaggistica ed alle scene di vita quotidiana.
CURIOSITA': Il termine impressionismo ha origine da un commento dispregiativo rivolto ad un'opera di Claude Monet, intitolata "Impression, soleil levant".

INCISIONE L'incisione è una disciplina impiegata per la realizzazione di opere d'arte.
Attraverso l'incisione di una superficie dura (solitamente nmetallica) si ottengono disegni.
Lo strumento utilizzato per incidere la superficie è il BULINO. 
Le principali tecniche di incisione sono ACQUATINTA e ACQUAFORTE.

INTIMISMO L'intimismo è un movimento nato per contraddistinguere la tendenza artistica romantica, soprattutto francese, che incontriamo alla fine del diciannovesimo secolo. 
Quando si parla di pittura, il termine intimismo viene associato all'opera dei Nabis, un gruppo di artisti francesi ispirati al simbolismo. I Nabis tendenzialmetne realizzano composizioni semplici, ispirate a momenti di vita reale in strada o in campagna.
I principali rappresentanti di questa corrente furono Sérusier, Valloton e Bonnard.Mentre i primi due si dedicano alla realtà esterna, Bonnard (riconosciuto come il più talentuoso rappresentante del movimento) si dedica agli interni, avvolgendo i suoi personaggi di una atmosfera calda, che isola il soggetto dal resto del mondo.

IPERREALISMO L'iperrealismo è una corrente dell'arte contemporanea americana, nata negli Stati Uniti all'inizio degli anni Settanta e poi diffusasi in Europa. Chiamata anche superrealismo, realismo radicale, realismo fotografico, iperfotografismo, l'iperrealismo rifiuta la realtà, proponendone una riproduzione meccanica, spesso a partire dalla sua immagine fotografica ingrandita. Ne risulta dunque una visione che va al di là della realtà, stravolgendola. Pur derivando dalla Pop-art, l'iperrealismo non si propone come satira, giungendo talvolta ad un virtuosismo esasperato. I suo massimi esponenti sono R. Goings, C. Close, R. Ester, R. McLean, S. Posen per la pittura, e D. Hanson e J. De Andrea per la scultura.

LUMISMO Lumismo è il termine utilizzato per indicare un particolare modo di trattare gli effetti di luce.
A differenza del chiaroscuro, nel lumismo il soggetto immerso nell'ombra viene illuminato da una sorgente ben definita, creando un forte contrasto di luci ed ombre.
Il luminismo si afferma verso la fine del sedicesimo secolo e, fra i suoi maggiori esponenti, troviamo Tintoretto, Caravaggio, Rembrandt e De Latour.

MACCHIAIOLI Macchiaioli è il termine utilizzato per definire un movimento artistico nato in Italia, precisamente a Firenze, in contemporenea con l'impressionismo.
Il significato della parola macchiaioli si riferisce chiaramente alla tecnica utilizzata dai pittori di quel periodo: la pittura a macchia.
L'arte di questi pittori come la definì Adriano Cecioni teorico e critico del movimento, consisteva: "nel rendere le impressioni che ricevevano dal vero col mezzo di macchie di colori di chiari e di scuri".

METAFISICA La metafisica è una corrente artistica caratterizzata dall'utilizzo di prospettive distorte, luci innaturali e strane immagini, spesso composta da manichini e statue in sostituzione a figure umane. 
La pittura metafisica trova la sua massima espressione nelle opere di Giorgio De Chirico, che viene riconosciuto come fondatore della metafisica nel 1917. Lo scopo principale degli artisti che si rifanno a questa corrente è quello di creare contesti improbabili, creando atmosfere magiche...
La metafisica ha molti tratti comuni con l'arte surrealista, soprattutto per ciò che riguarda la creazione di queste atmosfere magiche. Nella metafisica però non troviamo la rigida struttura compositiva e l'attenzione ai valori architettonici che invecie catatterizzano il surrealismo.

MINIATURA La miniatura indica l'arte di decorare manoscritti. In senso più ampio il termine riguarda ogni tipo dal carattere minuto.
Il vocabolo miniatura deriva probabilmente da minio, il colore rosso utilizzato nella pittura antica e nelle iniziali decorate dei codici. Altre interpretazioni lo farebbero derivare da lumen, luce, o adlumen, allume, sostanza usata per rendere i colori più luminosi.

MOSAICO Il mosaico è una tecnica di decorazione artistica. Per realizzare un mosaico vengono accostati frammenti di materiale variabile (detti TESSERE). 
Le tessere vengono incollate al supporto. Esse possono avere forma uguale o diversa ed il colore di queste varia a seconda del disegno da interpretare.
Oggi il mosaico viene anche utilizzato come elemento decorativo nelle costruzioni edilizie.

NATURA MORTA Natura Morta è il termine utilizzato per indicare le rappresentazioni di forme ed oggetti inanimati; i temi principali di queste reppresentazioni sono composizioni di fiori recisi, frutta, verdura, selvaggina morta, vasi, libri e strumenti musicali.
I primi cenni di natura morta vengono riscontrati in alcuni affreschi del periodo romano, dove troviamo le prime composizioni di oggetti inanimati. 
La natura morta è una corrente artstica appartenente al sedicesimo secolo. I principali esponenti di questo movimento furono gli olandesi, fortemente attratti dal gusto della descrizione miniaturistica, molto coerente con la natura morta.
Ma è di un pittore italiano, Caravaggio, quello che pùò forse ritenersi il massimo esempio di questo genere di pittura.
La natura morta, conobbe un periodo di decadenza nel periodo neoclassico per poi tornare in auge con gli impressionisti ed in particolare con il grande Cezanne.

NATURALISMO Il Naturalismo è una corrente artistica di origini francesi, nata intorno al 1870. L'arte naturalista si sviluppa in continuità con il realismo, dal quale trae l'allontanamento dell'idealismo classico e romantico a favore dell'allargamento del campo di interesse artistico a soggetti meno aulici ed 
edificanti. Questa nuova visione elimina la discriminazione sociale nel settore artistico ed afferma il valore di tutta la realtà oggettiva. 
Oltre all'impronta del realismo, il naturalismo cattura l'attenzione del periodo rivolta alle ricerche sulle scienze naturali, sviluppatasi in rapporto con gli ideali del positivismo. 
Il movimento parte dalla Francia per estendersi rapidamente in altri stati, primo tra i quali la Germania, che si afferma grazie alle opere di grandi artisti come A. Von Menzel e H. Thoma, e dei paesisti delle scuole di Worpswede e di Dachau. La terza tappa per la diffusione del naturalismo è il Belgio, con gli artisti C. Meunier e Ch. de Groux. Il naturalismo arriva anche in Italia, grazie agli stretti contatti con la Francia stabiliti dai fratelli Palizzi e da S. De Tivoli, influendo sulla formazione dello stile pittorico degli italianissimi Macchiaioli.

NEOCLASSICISMO Il neoclassicismo è una corrente artista sviluppatasi nella seconda metà del diciottesimo secolo. L'arte neoclassica si propone come ritorno all'arte classica, rivista in modo da valorizzare i contenuti artistici degli antichi greci e romani. 
Il neoclassicismo è caratterizzato dalla preferenza per linee e simmetrie, fortemente ispirate a fonti classiche. Questa impostazione riguarda pittura, scultura ed architettura. 
Lo stile neoclassico si identifica con l'arte neoclassica, riscoperta e nuovamente studiata con maggiore attenzione ed interesse, grazie anche alle numerose scoperte archeologiche.
I caratteri principali di questa corrente sono:
- il rifiuto dell'arte barocca e dell'irregolarità che la caratterizza;
- il ritorno al concetto di "bello ideale", nato dall'arte classica;
- la riscoperta di valori etici romani, sopratutto in David e negli intellettuali della Rivoluzione Francese;
- il gusto del movimento, talmente raffinato da lasciare il segno su oggetti d'uso ed arredamenti. Il neoclassicismo, per esempio, si sviluppò nella seconda metà del diciottesimo secolo e auspicava un ritorno ai valori del mondo classico per far rivivere l'arte degli antichi greci e romani. Nella pittura, nella scultura e nell'architettura, il neoclassicismo è caratterizzato da una preferenza per linea e simmetria, e il frequente ricorso a fonti classiche.

NEOESPRESSIONISMO In neoespressionismo è un movimento caratterizzato dalla revisione dei tratti espressionisti delle opere dei principali artisti leader del moviemento, artisti prevalentemente tedeschi e statunistensi. Il neoespressionismo si presenta come una violenta rappresentazione d'arte figurativa, caratterizzata dalla forte personalizzazione delle opere, spesso eseguite con estremo fervore. 
In Italia il movimento perse anche il nome di Transavanguardia.

NEOPLASTICISMO Il neoplasticismo o "de stijl" e un movimento artistico nato in Olanda nel 1917 e fondato da Theo Van Doesburg e Piet Mondrian. La corrente nasce dalla necessità degli artisti di interpretare il mistero e l'ordine di universo e spazio secondo una rappresentazione artistica austera e geometrica. Le opere neoplastiche infatti si caratterizzano per la presenza di elementi semplici come linee e quadrati rappresentati con colori primari. 
Questo concetto di orine e chiarezza ha principi legati alle correnti filosofiche del periodo. Il movimento neoplatico non ha lunga durata: cessa nel 1931, con la morte Van Doesburg, ma l'impronta di questa corrente si riperquote a lungo con effetti notevoli sull'architettura.

NOVECENTO Il Novecento, oltre ad essere il nome di un importante secolo per l'arte, rappresenta un movimento artistico che influenza diversi settori artistici, principalmente le arti figurative, la letteratura e la musica. Il periodo di massima esplosione di questo movimento risale agli anni 20 e 30 del secolo scorso. La corrente artistica trova la sua espressione del clima generale di "ritorno all'ordine", traendo ispirazione dalle forme pure e nette dei Primitivi già esaltati dalla forma-volume di valori plastici. 
I soggetti principali dell'arte del Novecento sono le nature morte, i paesaggi, i ritratti e le scene di vita quotidiana, interpretate secondo una visione statica a atemporale. 
Trampolino di lancio per questa corrente è la mostra del 1922 presso la Galleria Pesaro di Milano, dove artisti come A. Funi, E. Malerba, P. Marussig, U. Oppi e M. Sironi espongono le proprie opere d'arte. Il movimento si afferma ufficialmente nel 1924, presso la Biennale di Venezia e successivamente trova massima espressione della Prima e Seconda Mostra del Novecento Italiano, Milano, 1926 e 1929.
Il movimento viene riconosciuto grazie al sostegno teorico di M. Sarfatti, che cerca di definire la corrente. Nonostante l'impegno rivolto alla definizione della corrente, il Novecento rimane un movimento piuttosto variegato, in quanto interpretato da numerosi artisti che rispettivamente prendono posizioni differenti rispetto ai valori epico-popolari imposti dal regime fascista degli anni trenta.

PITTURA A SECCO Tecnica utilizzata per la pittura murale che consiste nell'utilizzo di un impasto piuttosto consistente che non viene assorbito: il colore non penetra e risulta brillante.

PITTURA AD OLIO La tecnica di pittura ad olio è una tra le più utilizzate per la realizzazione di dipinti. 
Per realizzare colori ad olio vengono mescolati pigmenti e olii grassi, come quello di lino e quello di noce.
La sostanza ottenuta è pesante e viscosa e per stenderla più facilmente vengono aggiunti diluenti, quali trementina o derivati del petrolio. 
La pittura ad olio ha origini incerte: Ghilberti sostiene che Giotto realizzò le sue opere con colori ad olio, ma questa supposizione non è certa. 
Questa tecnica trova ampia diffusione del quindicesimo secolo, principalmente nelle Fiandre. Alcuni sostengono che i veri autori di questa tecnica furono Antonello da Messina insieme a J. Van Eyck, che portarono in Italia questa tecnica grazie ad un viaggio nelle Fiandre. 
La pittura ad olio si diffonde rapidamete in tutt'Europa e viene impiegata ancora oggi per l'esecuzione di dipinti.

PITTURA MURALE Il termine "pittura murale" indica ogni tipo di pittura realizzata su pareti esterne.
Generalmente la pittura murale viene realizzata sulle pareti esterne di grandi edifici o su muri di cinta.
La pittura murale ha origini antiche: oggi è molto diffusa tra i giovani artisti e spesso viene praticata su superfici pubbliche.
Per maggiori dettagli sull'origine storica di questa pittura, vedi muralismo.

PITTURA SEGNICA La pittura segnica è una variante di interpretazione all'informale, caratterizzata dalla mancanza del netto rifiuto della forma, che viene interpretata attraverso elementi grafici riconosciuti come "segni". 
Il segno viene infatti identificato come una forma ma è privo di contenuto. 
Lo studio della pittura segnica si concentra principalmente sulla costruzione di alfabeti visivi, non concettuali ma puramente calligrafici.

PRIMITIVISMO In arte, il Primitivismo è considerato come la tendenza di molti artisti moderni ad ispirarsi all'arte dei popoli primitivi africani ed oceanici.
In molti casi l'artista rimane affascinato solamete dall'"idea" di riuscite a rappresentare istinti e bisogni primordiali dell'essere umano, seguendo tecniche artistiche dei popoli che non sono stati influenzati dallo sviluppo e dalla civiltà moderna.
Fra i più importanti pittori che hanno seguito questa tendenza dell'arte moderna ricordiamo l'italiano Modigliani e lo spagnolo Picasso.

QUADRATURA La quadratura è un tipo di pittura murale basata sulla rappresentazione di prospettive architettoniche.
Il periodo di maggiore della quadratura si verifica intorno al diciassettesimo secolo.

QUADRO Il Quadro è un dipinto eseguito su tela o tavola montata su di un telaio

ROCOCÒ Il Rococò è uno stile decorativo di origine francese. Nasce appunto in Francia nel 1700 per svilupparsi successivamente in Europa nel diciottesimo secolo. 
Il Rococò è uno stile leggero; trova la sua massima espressione nella decorazione di interni e si caratterizza per fascino, eleganza, giocosità ed impiego di colori pastello. I temi principalmente utilizzati nel Rococò sono piacevoli passatempi dell'aristocrazi ed audaci rappresentazioni amorose.
Il termine "Rococò" deriva dal francese "rocaille" che indica le rocce artificiali utilizzate per la decorazione di fontane e grotte.

SIMBOLISMO Il Simbolismo è un movimento artistico-letterario di origini francesi, nato alla fine del diciannovesimo secolo. Nell'arte, il movimento si caratterizza per il rifiuto dei pittori di rifarsi al realismo, nella convinzione che la pittura dovesse rappresentare idee e stati d'animo, piuttosto che esprimere su tela il mondo visibile. 
Lo stile si presenta piuttosto vario: i tratti principali si identificano in ricchezze minuziose e serenità stilizzate, con l'intento comune di creare un mondo ultraterreno...
I soggetti principali del simbolismo sono immagini religiose e mitologiche, scene di erotismo, morte e peccato.

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